Nous sommes très heureux de partager notre entretien avec River Reishi, gagnant du Surreal Salon 18, sélectionné par le juré invité, Swoon. À l’occasion de cette victoire, nous avons discuté avec Reishi du travail dans l’exposition, de l’histoire du Surreal Salon et de ses prochains voyages.
Juxtapoz : Félicitations pour cette grande victoire ! Parlez de l’œuvre gagnante, de son histoire, du processus et même du processus de soumission au Salon Surréaliste ?
River Reishi : La pièce s’appelle Tension superficielle. Il montre une silhouette émergeant de l’eau sombre, ses mains tendues vers l’avant comme si elle était sur le point de percer la surface et d’entrer dans notre monde. Elle est à moitié submergée, suspendue dans cet instant étrange entre deux royaumes. Autour d’elle se trouve un champ éphémère de sable noir et d’ambre.
Depuis la terre ferme, la surface de l’eau semble lisse et transparente, presque vide. Mais bien sûr, cela cache un monde entier qui n’est pas le nôtre. J’ai toujours été fasciné par ce seuil. L’installation tente de capturer ce moment précis où les deux mondes se rencontrent.
La sculpture brille également faiblement de l’intérieur, ce qui était un peu difficile à voir dans l’éclairage brillant de la galerie, mais devient visible à mesure que vous vous approchez. J’aime cette surprise tranquille. La pièce semble immobile au premier abord, mais on a le sentiment que quelque chose est sur le point de se produire. L’eau est souvent un symbole de vie, mais elle est aussi porteuse de danger et de pouvoir. La Louisiane et la région du Golfe connaissent très bien cette réalité. Je pense qu’une partie de cette tension s’est retrouvée dans le travail.
Le sable noir entourant la sculpture est meuble et dessiné à la main en motifs, de sorte que l’installation n’existe sous cette forme que pendant une courte période. Même de petites vibrations le changent. Je m’intéresse à cette fragilité, aux œuvres qui ne peuvent pas tout à fait rester figées.
C’était déjà un honneur de faire partie d’une exposition organisée par Caledonia Curry (Swoon). Quand je suis arrivé pour installer l’œuvre et que j’ai vu les autres œuvres pour la première fois, je me souviens avoir pensé à quel point chacune d’entre elles était obsédante et mémorable. Donc entendre la pièce annoncée comme Best in Show plus tard dans la nuit semblait surréaliste dans le vrai sens du terme.
Aviez-vous suivi le Salon Surréaliste ces dernières années ? Qu’en saviez-vous ?
J’avais entendu parler du Salon Surréaliste depuis des années par la communauté artistique pop surréaliste, mais c’était la première fois que j’habitais suffisamment près pour y assister en personne. J’entendais constamment dire que c’était un peu comme un coup d’envoi officieux de la saison du Mardi Gras, que les gens venaient vêtus de costumes élaborés et que toute la soirée avait cette atmosphère festive, légèrement surnaturelle.
Ce que je n’avais pas réalisé avant de participer cette année, c’est que certaines personnes conçoivent leurs costumes en fonction des œuvres d’art de l’exposition. C’était incroyable à voir. À un moment donné, quelqu’un est venu vers moi portant un costume inspiré de ma pièce et a pu le regarder le modéliser et expliquer comment la sculpture avait influencé le design. Il a complètement transformé ma soirée. C’était comme si l’œuvre était brièvement sortie de la galerie et pénétrait dans la pièce !
De plus, c’était un merveilleux ajout que SWOON soit le juré du concours de cette année. Je l’ai fait dans le passé, et c’était un travail difficile et enrichissant. Que saviez-vous du travail de SWOON et est-ce que cela a influencé votre soumission ?
J’admire le travail de Swoon depuis longtemps, en particulier ses installations et la façon dont elle évolue entre sculpture, architecture et intervention publique. J’ai entendu parler d’elle pour la première fois en 2009 lorsqu’elle a présenté le projet Swimming Cities of Serenissima à la Biennale de Venise. Une flotte de radeaux sculpturaux flottant dans l’un des espaces les plus formels du monde de l’art était un geste inoubliable.
Le fait d’arriver par là, sans attendre l’autorisation institutionnelle, est devenu partie intégrante de l’œuvre d’art elle-même. Ce genre d’audace m’est toujours resté. Il est difficile de percer dans le monde de l’art, surtout dans les espaces où les voix sont soigneusement sélectionnées et organisées. Voir une artiste se tailler un espace de manière aussi créative était incroyablement inspirant.
J’aime aussi la direction que son travail a pris récemment avec le projet Sibylant Sisters. Mon propre travail est profondément inspiré par les mythes et les récits. Il a donc été fascinant de la voir développer ce monde, créer ses propres cartes oracles et construire une mythologie vivante autour de son œuvre. Il y a quelque chose de puissant dans le fait que les artistes inventent des langages symboliques dans lesquels les gens peuvent entrer. Alors avoir la chance de la rencontrer et de lui faire découvrir une de mes installations a été pour moi un moment très significatif.
Vous travaillez dans différents médiums, et la sculpture et l’installation semblent être votre priorité. Parlez un peu de votre processus et de l’endroit où vous vous sentez le plus à l’aise en tant que créateur ?
Je ne suis pas sûr de me sentir à l’aise dans un seul média, et je pense que c’est probablement une bonne chose. J’ai tendance à m’orienter vers tout matériau qui me semble nécessaire à l’idée en question. À bien des égards, ma pratique est née de contraintes pratiques. Pendant longtemps, je n’ai pas eu de grand studio, j’ai donc dû trouver des moyens de réaliser des œuvres qui pouvaient s’étendre temporairement dans un espace, puis disparaître à nouveau. Le sable, les éléments sculpturaux modulaires et les matériaux éphémères ont tous émergé de cette réalité.
Au fil du temps, ces limitations sont devenues partie intégrante du langage de l’œuvre elle-même. Je suis attiré par les matériaux qui véhiculent un sentiment de fragilité et de transformation. L’installation me permet de construire un environnement autour de la sculpture où ces idées peuvent se déployer plus pleinement, où le spectateur ne se contente pas de regarder un objet mais entre dans un moment ou une histoire.
Quels types d’artistes vous ont influencé lorsque vous avez commencé à trouver votre propre voix ? Et, comme une jolie anecdote, quelle est la dernière œuvre qui vous a fait vous arrêter net, retourner en studio et créer ?
La voix est un concept intéressant pour moi en tant que femme, car les femmes sont souvent confrontées à des obstacles particuliers lorsqu’il s’agit de faire émerger la voix. Il faut une certaine audace pour dire quelque chose et l’engager dans l’art. D’une certaine manière, vous demandez au monde d’écouter. Pour cette raison, je suis particulièrement inspiré par les femmes qui font de l’art sans demander la permission.
J’ai mentionné plus tôt à quel point il était puissant pour moi d’apprendre que Swoon présentait son projet Swimming Cities à la Biennale de Venise. Ce geste m’est toujours resté, non seulement à cause du travail lui-même mais aussi à cause de la confiance qui se cache derrière lui. La volonté de revendiquer de l’espace dans un monde qui ne l’offre pas toujours facilement. Des moments comme celui-là me rappellent que la voix ne concerne pas seulement ce que vous dites en tant qu’artiste, mais aussi le fait de vous permettre de le dire. Cette idée continue de façonner la façon dont j’aborde mon propre travail.
Quant à la dernière œuvre d’art qui m’a fait arrêter net, j’ai récemment visité le Museo Nacional de Antropología à Mexico. Se promener dans les galeries de céramiques figuratives de différentes régions du Mexique était complètement fascinant. Les céramiques mayas en particulier m’ont coupé le souffle. Il y a tellement d’esprit en eux, un tel sentiment de présence. J’ai rencontré un visage en céramique qui m’a profondément affecté. Je suis retourné le voir plusieurs fois maintenant, et à chaque fois je repars avec le sentiment de revenir à la sculpture.
Qu’avez-vous d’autre prévu cette année ? Êtes-vous quelqu’un qui aime travailler dans une galerie ou préférez-vous des moyens alternatifs pour montrer votre travail ?
Cet été, je travaillerai avec Raf Gallery à Reykjavik, en Islande, pendant le mois d’août. Une éclipse solaire totale passera directement au-dessus de Reykjavik le 12 août et, plus tard dans le mois, la ville célébrera Menningarnótt, un grand festival d’art et de culture à l’échelle de la ville.
La Raf Gallery travaille à la fois avec des œuvres d’art et des bijoux en ambre de la Baltique, et j’ai toujours été attirée par l’ambre en tant que matériau et objet mythologique. Pour l’exposition, j’installerai une sculpture et une installation de sable qui raconte le mythe de la naissance de l’ambre de la Baltique tout en réfléchissant à la mythologie de l’éclipse et à la relation entre l’obscurité et la lumière.
Le sable viendra du littoral local, et à la fin de l’exposition j’invite la communauté à démonter l’installation avec moi. Nous rapportons le sable à l’océan et le rendons avec un souhait, une prière ou une intention.
J’aime profondément l’Islande. Le sable noir que j’utilise souvent dans mes installations a été inspiré par la plage volcanique de Reynisfjara, donc pouvoir créer une œuvre là-bas pendant un moment céleste aussi rare me semble très significatif.
Quant aux endroits où j’aime montrer mon travail, j’apprécie de nombreux contextes différents. Mes installations sont apparues dans des galeries, des musées, des devantures vides et même des hôtels de ville. Mais mon endroit préféré pour le travail éphémère est la plage.
Lorsque je vivais près de la mer dans l’État de Washington, mes amis et moi construisions parfois des autels temporaires à partir de fleurs, de bois flotté, de coquillages et de plantes en guise d’offrandes à l’eau. La marée emporterait tout lentement. Il y a quelque chose de très spécial dans le fait de construire ensemble quelque chose qui n’existe que pour une nuit.
Qu’avez-vous aimé dans toute l’expérience du Surreal Salon ? Quels ont été les moments forts ?
Toute la soirée a été marquée par une énergie incroyable. Les costumes à eux seuls étaient extraordinaires, et partout où vous regardiez, un autre petit moment de créativité se déroulait. Musique, conversation, artistes qui se reconnectent, gens qui découvrent leur travail pour la première fois. C’était une célébration de la meilleure des manières.
Il y a aussi eu un moment inattendu en début de nuit. Quelqu’un a accidentellement reculé contre la plate-forme contenant mon installation, et lorsque la plate-forme s’est déplacée, le sable a vibré et de nombreuses conceptions détaillées ont disparu. Heureusement, la personne qui a trébuché allait parfaitement bien, ce qui était la chose la plus importante. Mais d’une manière étrange, ce moment a également révélé quelque chose d’essentiel dans l’œuvre. Certaines personnes pensaient que le sable avait été collé ou peint. Lorsqu’il s’est déplacé, il est devenu évident que toute la surface était meuble et dessinée à la main. Je me suis assis à côté de la pièce et je l’ai soigneusement réparée, redessinant les motifs dans le sable et l’ambre pendant que les gens regardaient.
Pour moi, ce moment a capturé l’esprit de l’œuvre. L’installation n’existait sous cette forme exacte que cette nuit-là. Il pourrait être recréé, mais il ne serait plus jamais exactement le même. Tout le monde était témoin de quelque chose de temporaire, quelque chose qui n’appartenait qu’à ce moment précis. Et d’une manière qui semblait tout à fait appropriée pour le Salon Surréaliste lui-même.
River Reishi est un artiste multidisciplinaire dont les sculptures et les installations éphémères sur sable explorent les mythes, le chagrin et le seuil mystérieux entre les mondes. S’appuyant sur les divinités féminines de l’eau et les anciennes traditions de narration, elle travaille avec des matériaux tels que le sable, l’ambre et la lumière pour créer des environnements qui n’existent que brièvement dans le temps.
Pour en savoir plus, visitez riverreishi.com et Instagram @riverreishi.
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