Comment avez-vous découvert votre passion pour le design et vous êtes lancé dans le secteur de la communication visuelle ? Je n’ai pas commencé avec l’idée claire de devenir designer. J’étais plus intéressé par la culture visuelle et la manière dont les idées s’expriment à travers le design. Pendant mes études au Canada, j’ai suivi des cours de design graphique et j’ai réalisé que mon intérêt s’alignait naturellement sur le domaine.
Au fil du temps, j’ai compris que le design n’est pas seulement une question d’esthétique. C’est une manière de communiquer des idées au-delà du langage. Cette perspective est devenue particulièrement importante pour moi lorsque j’ai commencé à travailler entre le Japon et l’Amérique du Nord. Cette curiosité m’a finalement conduit vers le branding.
Parlez-nous un peu de la société de design Public Address. Que faites-vous là-bas en tant que directeur créatif et qu’est-ce qui vous plaît ? Public Address est un studio de design qui allie stratégie, design et narration. En tant que directeur créatif, je dirige les projets du concept à l’exécution tout en contribuant à façonner la direction créative du studio. Récemment, nous avons ouvert notre bureau de Tokyo, où je gère l’entreprise. Construire une équipe et établir notre présence localement a présenté un nouveau défi.
Ce que j’apprécie le plus, c’est la capacité du studio à relier différentes perspectives. Travailler à Tokyo et à Toronto, ainsi qu’à d’autres endroits, nous permet d’aborder l’image de marque avec à la fois des nuances locales et une perspective internationale plus large.
Comment décririez-vous ce qui différencie la culture du design japonais et comment mettez-vous en pratique certains des principes de cette culture dans votre propre travail ? La culture du design japonais met fortement l’accent sur la sensibilité artistique individuelle. Dans le même temps, l’accent est mis sur la matérialité et l’exécution. Il existe un grand respect pour l’artisanat et les détails, où même les plus petits éléments sont soigneusement étudiés et où tout semble contrôlé. Dans notre travail au Japon, nous essayons d’intégrer cet état d’esprit dans notre approche de marque, non seulement en donnant aux choses une apparence raffinée, mais en veillant à ce que tout ce que nous livrons soit bien conçu.
Pourquoi pensez-vous que la philosophie visuelle du Japon ne s’est pas encore traduite en réflexion stratégique de marque ? Historiquement, l’image de marque au Japon a été étroitement liée à la publicité. Les grandes agences ont mené la conversation, qui tend à se concentrer davantage sur les campagnes et les messages. En conséquence, la philosophie visuelle et l’artisanat ont souvent été traités séparément de la stratégie.
Il y a une profondeur incroyable dans l’esthétique japonaise, mais elle n’a pas toujours été positionnée comme un outil stratégique. Une partie du défi réside dans le fait que le savoir-faire japonais, qui met l’accent sur la tangibilité et l’expérience sensorielle, n’est pas toujours facile à traduire en réflexion stratégique ou en systèmes de communication visuelle. Cette connexion commence à émerger, mais c’est un travail en cours.
Comment intégrez-vous l’histoire et la culture locales dans la conception de votre identité pour vos clients japonais ? Cela diffère-t-il grandement de votre processus de recherche pour des clients mondiaux comme la marque de vêtements de sport ASICS ou la Coupe du Monde de la FIFA 2026 ? Pour les clients japonais, le contexte local est essentiel. Les références culturelles, l’histoire et même des nuances subtiles de comportement peuvent influencer la façon dont une marque est perçue. En même temps, le processus lui-même n’est pas entièrement différent. Qu’il s’agisse d’un client local ou d’une marque mondiale, nous essayons toujours de comprendre ce qui rend la marque unique et comment elle doit s’exprimer.
La différence réside dans la sensibilité. Pour les projets mondiaux, nous définissons souvent un cadre solide et clair afin que la marque puisse être perçue de manière cohérente sur différents marchés. Pour les clients japonais, il s’agit plutôt de découvrir quelque chose qui existe déjà et de l’exprimer d’une manière qui s’adapte au contexte culturel. La transformation dépend de ce qui est approprié, plutôt que de suivre une logique stratégique prédéfinie.
Parmi les valeurs de l’artisanat japonais, vous soulignez le rejet des systèmes à l’emporte-pièce comme quelque chose que vous aimeriez voir dans le monde du design. Comment voyez-vous cette idée être adoptée ? Il existe une tendance croissante à s’appuyer sur des modèles et des systèmes disponibles dans le commerce qui peuvent être appliqués universellement. L’artisanat japonais est ancré dans la spécificité. Chaque objet et solution est considéré dans son propre contexte. Cet état d’esprit donne souvent la priorité à la pertinence plutôt qu’à l’efficacité et à la précision plutôt qu’à l’échelle.
Je pense que nous verrons davantage de concepteurs s’éloigner des systèmes standardisés et se tourner vers des approches plus personnalisées, sans rejeter complètement les systèmes, mais en les utilisant de manière plus critique et avec une plus grande intention. Dans notre propre travail, cela signifie souvent construire des systèmes flexibles plutôt que rigides, permettant des variations tout en préservant la cohérence. Il s’agit moins de garantir la cohérence que de créer un cadre capable de répondre à différentes situations.
L’artisanat japonais est ancré dans la spécificité. Chaque objet et solution est considéré dans son propre contexte. Cet état d’esprit donne souvent la priorité à la pertinence plutôt qu’à l’efficacité et à la précision plutôt qu’à l’échelle.
À quoi ressemble une marque à succès au Japon aujourd’hui ? Au Japon, une marque à succès accorde une grande importance à l’expérience client. De l’emballage aux environnements de vente au détail, chaque point de contact est soigneusement étudié. La communication tend à donner la priorité à l’expérience plutôt qu’au message verbal, permettant ainsi à la marque d’être comprise à travers ce que les gens voient et ressentent, plutôt qu’à travers ce qui est explicitement dit.
Dans le même temps, les attentes en matière de savoir-faire et d’exécution sont également élevées, de sorte que même de petites incohérences dans la livraison peuvent affecter la façon dont une marque est perçue. Ce qui devient plus important aujourd’hui, c’est la clarté. De nombreuses marques sont bien faites, mais pas toujours clairement articulées. Ceux qui se démarquent sont ceux qui peuvent exprimer un point de vue clair et le transmettre de manière cohérente à chaque point de contact.
Où voyez-vous la plus grande opportunité pour les marques japonaises qui cherchent à se développer à l’international ? L’une des plus grandes opportunités réside dans la manière dont les marques japonaises traduisent leurs atouts auprès d’un public mondial. Il existe déjà une base solide en matière de savoir-faire, de qualité et d’attention aux détails, mais ces atouts ne sont pas toujours clairement communiqués en dehors du Japon.
L’opportunité est de rendre ces qualités plus lisibles et intentionnelles en tant que marque en les articulant d’une manière qui puisse être comprise dans différentes cultures. Les marques doivent être conscientes des différences culturelles et adapter leur manière de communiquer sur chaque marché. Cela signifie aller au-delà de la seule excellence du produit et réfléchir de manière plus globale à la manière dont une marque s’exprime, visuellement, verbalement et expérientiellement.
Quel est l’un de vos projets préférés sur lequel vous avez travaillé ? Certains des travaux les plus gratifiants que j’ai accomplis concernent des projets mondiaux, en particulier la Coupe du Monde de la FIFA 2026. Avec un événement de cette envergure – sans doute le plus grand événement sportif aujourd’hui – l’impact social est important. À mesure que cela approche, vous pouvez sentir l’enthousiasme monter, et il est puissant de voir notre travail de conception présent dans ces moments-là.
Cela a changé ma perception de ce que le design peut faire. Nous avons construit un système de conception robuste qui peut s’adapter à différents contextes et phases de l’événement, depuis les premières annonces jusqu’aux activations publiques à grande échelle. Le système devait être suffisamment flexible pour fonctionner dans différentes villes hôtes, cultures et points de contact, tout en conservant une identité cohérente. Le projet avait l’impression de s’inscrire dans une expérience partagée, dans l’enthousiasme des gens et, d’une certaine manière, dans l’histoire.
Selon vous, quel est le plus grand défi auquel les designers sont actuellement confrontés et comment peuvent-ils le surmonter ? L’IA est évidemment au centre de nombreux défis auxquels les concepteurs sont confrontés aujourd’hui. Cela dit, je ne suis pas particulièrement pessimiste à ce sujet. Cela transformera notre façon de travailler et modifiera bon nombre de nos tâches quotidiennes, mais cela ne remplacera pas le besoin de communication ni le rôle de l’image de marque. Le plus grand défi est de savoir comment les concepteurs s’adaptent. Cela nécessitera un changement d’orientation de l’exécution vers la réflexion, de la création vers la définition. Cela peut également nous pousser à aller au-delà de l’écran, vers des formes de design plus tangibles et expérientielles.
Dans la pratique, l’IA accélère déjà la production, génère des variations et facilite l’exploration à un stade précoce, mais ces résultats nécessitent encore du jugement, du contexte et une orientation. Sans un point de vue clair, l’ouvrage peut vite devenir générique. La valeur de la conception passera probablement de la production de résultats à la définition d’une direction. Trouver de nouvelles opportunités dans le cadre de ce changement est ce qui rend ce moment passionnant.
Avez-vous des conseils à donner aux créatifs qui débutent aujourd’hui leur carrière ? Les nouveaux outils comme l’IA sont incroyablement pratiques et utiles. Cependant, ils sautent souvent trop d’étapes dans le processus. C’est pourquoi il est important de comprendre l’histoire des outils et de l’expression visuelle. Il reflète une série de défis et de réponses au fil du temps et fournit un contexte expliquant pourquoi les choses sont telles qu’elles sont. Sans cette base, il peut être plus difficile de comprendre pleinement ou de pousser plus loin les expressions. Parfois, j’ai l’impression que les jeunes designers n’optimisent pas encore ces outils, simplement parce qu’ils manquent de cette perspective. Californie
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