“Pee-Wee’s Playhouse a époustouflé tout le monde”, me dit-il, “parce qu’il n’y avait rien de tel à la télévision à l’époque. Nous étions une bande de cinglés de New York. Tout le reste à la télévision était fait à Los Angeles. ” Son héros artistique était le maître dessinateur de dessins animés, R. Crumb, dont l’influence était combinée avec un vocabulaire artistique de l’expressionnisme allemand et des emballages de céréales et de détergents du milieu du siècle ; le résultat a été trois Emmys pour la conception de l’environnement Pee-Wee. Wayne était également l’un des marionnettistes et me propose un rappel de toutes les voix qu’il a données aux marionnettes lorsqu’elles interagissaient avec Paul Reubens pour le divertissement de tous les enfants élevés dans les années 1980. Le travail l’a amené à diriger artistiquement une série d’émissions de télévision pour enfants, à réaliser la vidéo « Big Time » de Peter Gabriel et « Tonight, Tonight » de Smashing Pumpkins. En cours de route, il tisse des histoires sur le dessinateur de traque Art Spiegleman afin d’auditer ses cours à l’École des arts visuels, s’inspirant d’un jeune Matt Groening, se souvient de Gary Painter à l’apogée de son règne en tant que roi du dessin animé punk rock et de sa rencontre avec la légende du dessin animé de la nouvelle vague Mimi Pond, que Wayne a épousée et dont le travail les a initialement amenés en Californie du Sud (Pond a écrit le scénario du premier épisode complet des Simpsons).
Bien sûr, quelle histoire de vie d’artiste serait complète sans l’enfilage d’une énorme tête de marionnette de Lyndon Baines Johnson afin de raconter correctement l’histoire de l’Amérique ? Wayne White n’est pas une visite en studio ordinaire. Alors qu’il se souvient de ses déplacements à travers l’Amérique et frôle la gloire, ses peintures dans l’atelier reflètent soudain une Americana poétique, qui pourrait sembler légèrement blasée, ironique ou sincèrement kitsch si d’autres acteurs ou décors étaient ajoutés à leurs compositions. Mais c’est une entreprise sérieuse avec la simple poésie des mots de White et le talent artistique de la teinte, de la forme et de l’ombrage du lettrage. Les résultats finaux sont des peintures uniques dans un monde de l’art saturé de conformisme. Il y a toujours de la place pour un original américain, et dans ce cas-là, il y a aussi des acheteurs. Il a vendu environ 400 de ses peintures en un peu plus d’une décennie et prévoit maintenant une exposition en galerie, avec de nouvelles peintures et un retour à son passé de marionnettiste avec des éléments sculpturaux. Un spectacle sur scène est en train d’être affiné et présenté en marge de la scène théâtrale du sud de la Californie, un endroit que le monde de l’art craint jusqu’à présent d’emprunter.
Cependant, un examen plus approfondi de l’une de ses peintures amène le spectateur aux racines de l’art de White : la bande dessinée. L’histoire à succès américaine classique de White est influencée par la forme d’art populaire la plus américaine. Il était le dessinateur de bandes dessinées pour le journal de son lycée. Il a vu Raw Magazine et a déménagé à New York sans aucun contact dans la ville mais avec le désir d’être à la pointe du dessin animé. Il appelle la composition de ses peintures « des machines Pachinko pour le globe oculaire », mais la structure, notamment avec le cadre soigné que les paysages préfabriqués d’antan offrent à chaque tableau, est essentiellement une cellule comique.
Ces espaces théâtraux encadrés livrent leurs méditations poétiques avec un phrasé clairement influencé par la bulle omniprésente du style bande dessinée. Il est peut-être un héritier de l’héritage pictural de Magritte, mais il souligne que la beauté impassible du chapeau melon est aussi profondément liée aux faiblesses masculines des comédies classiques de Buster Keaton qu’elle est liée aux récits verbeux et tissés de l’histoire de l’art.
Les mots peints par Wayne White sont comme les personnages animés qui dominent la conscience populaire depuis plus d’un siècle. Des Katzenjammer Kids à Crumb’s Keep on Truckin’ ; De Coochie Cootie de Robert Williams dans Zap Comics au précurseur de Maus dans Raw, en passant par Bart Simpson lui-même, White peint des mots, des phrases et des phrases simples comme des personnages mémorables, chacun agissant dans une production scénique à un panneau de l’esprit comique prenant vie sous forme de scénario sur des décors préfabriqués. Lorsque la chair devient parole pour habiter parmi nous, ce n’est pas comme l’identité effrénée d’un acteur ou d’un réalisateur ; White privilégie le poète comme scénariste de ces cellules magiques en un acte. Les résultats sont aussi spirituels et aussi sages que n’importe quel art, plus divertissants que n’importe quelle théorie de l’art aride dans les écoles, sont aussi inspirants et mordants que le meilleur du street art et semblent aussi conceptuellement classiques aujourd’hui que les paysages de leurs grands magasins ont dû apparaître il y a quarante ans ou plus dans les cent mille maisons dans lesquelles ils ont été accrochés. Si la scène tachée de nicotine de votre grand-père, représentant une ferme idyllique et mise en valeur par le vendeur de meubles, se retrouvait dans une friperie après avoir réglé le domaine, Wayne White aurait peut-être une phrase à retourner, à tordre et à clouer afin d’enflammer notre mémoire collective d’une Amérique qui était plus réelle sur les murs de notre salon que les mots ne pourraient jamais le rappeler.*
Cet article a été initialement publié dans le numéro 19 de Hi-Fructose, qui est épuisé. Obtenez le dernier numéro de Hi-Fructose en version imprimée en vous abonnant ici.
Credit Post By: Mat Gleason