La racine du travail de Morgan commence avec les séances photo qu’elle réalise avec ses modèles. C’est là que se forme le lien intense entre l’artiste et le sujet, et ce sentiment initial de tension et d’exposition dans ses portraits découle de ce processus. “Demander à ces personnes d’être vulnérables avec moi et mon objectif crée un moment unique sur lequel je m’épanouis tout au long de la réalisation du tableau. Ironiquement, je considère mon utilisation de la couleur comme une forme de vêtement ou de couverture. Le glacis de couleur et les autres techniques que j’utilise, comme le flou et le ponçage, offrent une distance entre le spectateur et le sujet nu et vulnérable. ” Morgan travaille directement à partir de ses références photographiques imprimées et construit au moins deux couches de la figure peinte, avant de choisir de flouter la peinture humide et de poncer la peinture sèche à l’aide de papier de verre, ou d’appliquer un vernis de couleur réfléchie sur la figure. Ces modifications du réalisme sont sa façon de s’éloigner du monde « réel » et de placer le sujet dans un nouvel espace.
Soucieuse de créer un portrait brut et émotionnellement authentique, son objectif n’est jamais de flatter. « Ce que j’aime le plus dans mon travail, c’est de pouvoir établir des liens avec les gens qui m’entourent d’une manière impossible par d’autres moyens », dit-elle.
L’échelle, tout comme la couleur, est un aspect tout aussi important du travail de Morgan. Certaines de ses peintures présentent plusieurs corps à grande échelle sur des toiles de taille monumentale, la plus grande mesurant entre six et huit pieds de haut et cinq pieds de large. “Il est important pour moi que la silhouette soit plus grande que nature. J’agrandis le corps pour qu’il semble plus qu’humain et en dehors de l’expérience quotidienne. La taille et l’échelle de la peinture sont toujours déterminées par l’espace que je pense que l’individu a besoin d’occuper psychiquement et physiquement”, explique-t-elle. L’incorporation de couleurs comme les vrais rouges, jaunes, bleus et oranges, ainsi que d’éléments graphiques, sont repris inconsciemment de son environnement en studio ou dans ses études. Ces qualités graphiques se juxtaposent à des éléments plus raffinés, notamment dans le visage, les mains et les organes génitaux, une sexualité manifeste qui est l’aspect le plus tendre de l’art de Morgan, en particulier de ses autoportraits. “Je comprends que je suis attirée par le nu non seulement à cause de ses racines historiques de l’art, mais aussi à cause de mon propre inconfort face à la sensualité. C’est une dualité : je m’épanouis grâce à la vulnérabilité de la peau et puis, par moments, je me sens mortellement gêné et exposé. Je choisis d’affronter l’inconfort et d’explorer ce qui me défie le plus.”
Historiquement, le nu a été utilisé à la fois comme expression de la beauté et des qualités humaines, et transformé par les artistes en objet esthétique.
Les peintures de Morgan équilibrent une ligne fine entre les deux, incorporant à la fois une esthétique et un design magnifiques et développant le teint unique de son sujet. À chaque nouvelle pièce, elle exerce davantage sa voix abstraite. « J’ai l’impression d’osciller naturellement sur de nombreuses lignes et de trouver la qualité du travail à la fois frustrante et stimulante.
Pour moi, définir l’individualité dans un portrait, c’est intégrer au tableau l’âme ou la sensation d’une personne spécifique. “Cette individuation est mieux réalisée avec un contact visuel direct entre le sujet et le spectateur”, dit-elle. Le concept du regard nu est devenu populaire pour la première fois avec la montée de la philosophie postmoderne et de la théorie sociale, à savoir l’analyse de l’intellectuel français Jacques Lacan sur le rôle du regard en tant que miroir de la psyché humaine. Cette idée s’est étendue à la théorie féministe, où il peut traiter de la façon dont les hommes regardent les femmes – et vice versa, de la façon dont les femmes se regardent.
C’était une période difficile et j’ai tout traité en utilisant la couleur : les teintes intenses étaient réconfortantes et stabilisantes.
Credit Post By: Caro