“Je ne veux pas limiter mon travail à la représentation d’enfants”, dit Watanabe, “mais, dans ma tête, je vois les enfants commencer à bouger dans le tableau. Si je peux accéder à l’espace et le transformer, l’œuvre passera d’un objet destiné à être apprécié à un espace fonctionnel comme un outil. Juste en faisant entrer mes filles dans un espace peint créé par d’autres, l’espace ne changera pas, mais parviendra quand même à changer pour une raison insaisissable et difficile à exprimer. Les filles sont-elles comme les seules portes ouvertes dans l’espace ? Cela me donne de la joie.
Il y a un immense sentiment de joie qui semble également remplir Watanabe lorsqu’il donne son avis sur les œuvres d’art occidentales qu’il copie. Il est particulièrement fasciné par la quête des maîtres anciens pour capturer les variations de la lumière et de l’obscurité. Une différence majeure qu’il trouve entre les traditions artistiques japonaises et occidentales, en général, est l’utilisation du dessin.
“Depuis que les Japonais utilisent des pinceaux depuis l’Antiquité”, dit-il, “ils ont capturé des objets et des personnes dans les contours. Cela finit par devenir une expression ukiyo-e, une technique consistant à placer des couleurs plates dans le contour.”
Mon idée était de viser une peinture pure qui élimine tout bruit de la peinture originale.
Même si sa capacité à copier des maîtres anciens s’est améliorée avec la pratique, elle s’est également améliorée après qu’il a commencé à raconter et à adopter cette différence essentielle. Les contours et les couleurs aplaties furent, pendant un temps, un piège qui l’empêchait de capturer pleinement les styles de l’artiste européen qu’il cherchait à imiter.
De tous les tableaux qu’il a copiés, celui qu’il a trouvé le plus vivifiant était La Descente de Croix de Peter Paul Rubens. Il place la scène dynamique et diagonale au milieu d’une des forêts d’Henri Rousseau. La présence de l’œuvre de Rubens joue sur l’aspect primordial du paysage de Rousseau. Le sauvage et l’inconnaissable devient générateur et génère quelque chose auquel le spectateur peut s’identifier.
“Le réalisme me rappelle une théorie du mouvement du sol gris et un espace newtonien vide. Quand je pense à Michel-Ange, je pense à des corps excessivement caricaturaux. Botticelli n’est qu’un décor de scène. Cette “Descente de Croix” était une production de studio et, vraiment, pas très bonne. Mais j’étais heureux quand je l’ai fait parce que je pense que je l’ai un peu proche de la façon dont Rubens peignait. Je veux l’essayer à nouveau, mais en plus grand”, dit Watanabe.
Un autre point commun des peintures récentes de Watanabe est leur taille invariablement grande. Le niveau de détail nécessite deux à trois mois du début à la fin pour chaque œuvre. (Watanabe plaisante en disant que les détails nécessitent un peu plus d’attention qu’avant, depuis qu’il a commencé à utiliser des lunettes de lecture.)
Les préparatifs commencent par déterminer comment agrandir ou réduire l’œuvre originale qu’il citera. Une multitude de croquis l’aident à traverser ce processus. Les projecteurs ne sont pas utiles pour le travail, car l’objectif peut déformer l’image originale. Une fois que le dessin obtient les résultats qu’il recherche, Watanabe spatule une fine couche de gesso avec du carbonate de calcium sur toute la toile. La couleur de base est appliquée trois fois à l’acrylique, puis la scène et les personnages sont grossièrement tracés. Les détails bruts sont peints à l’huile et il utilise un éventail pour enlever les yeux du pinceau. Les détails sont ensuite ajoutés, tracés d’abord puis à l’huile.
Une partie importante des mois nécessaires à la réalisation de ces peintures est cependant consacrée aux croquis préparatoires. « Il est difficile de modifier l’image une fois que l’on a dépassé le stade du dessin », explique Watanabe. Malgré l’importance capitale de son processus, l’artiste abandonne l’esquisse une fois son objectif atteint.
“Le réalisme me rappelle une théorie grise du mouvement du sol et un espace newtonien vide. Quand je pense à Michel-Ange, je pense à des corps excessivement caricaturaux.”
La jeunesse de Watanabe s’est déroulée entourée de livres d’art et de visites au musée. Sa mère, peintre amateur et diplômée d’une école d’art, lui servait de guide lors de ces voyages. L’art, cependant, n’était pas un intérêt majeur à cette époque. Cela a changé après qu’il ait réalisé une peinture à l’huile qui a reçu de grands compliments de sa mère artiste.
Les collèges et lycées locaux offraient peu de programmes extrascolaires liés à l’art. Les cours d’art disponibles n’avaient « aucun sens » et un cours de musique était moins un exutoire créatif que, selon les mots de Watanabe, un « souvenir amer ».
Il dit : “Je suis autodidacte. Mon lycée n’avait pas de professeur d’art et je n’ai pas étudié l’art à l’université. J’ai appris grâce aux livres techniques que ma mère gardait avec moi, mais les cours étaient encore assez limités”.
Pourtant, un appel à peindre résonnait profondément en moi. Le mariage a conduit à des enfants et Watanabe savait qu’il aurait besoin de gagner de l’argent d’une manière ou d’une autre. Il a parié sur son art et a prévu une exposition personnelle à Tokyo. À peu près à la même époque, il écrit une pièce que des amis d’un théâtre local mettent en scène. Les ventes de cette première exposition personnelle et de la pièce ont financé une autre exposition à Ginza.
À cette époque, l’économie de Tokyo explosait et le peu d’argent que Watanabe gagnait grâce à l’art commença à se tarir. Les choses ont changé, cependant, après qu’il ait remporté dix millions de yens (environ 90 000 dollars) dans un concours artistique aux enjeux élevés. Cette victoire a attiré l’attention des foires d’art ainsi que de Christies à Hong Kong.*
Cet article a été initialement publié dans le numéro 54 de Hi-Fructose, qui est épuisé. Obtenez notre dernier numéro avec un nouvel abonnement ici !
Credit Post By: Clayton Schuster