Étrange : la sensation que l’on éprouve lorsqu’on est confronté à des tas de chair meurtrie et tumorale, mêlée à divers fruits défendus, à des produits purulents et à de délicieuses formes gommeuses. C’est le genre de corne d’abondance désorientante que Christian Rex van Minnen apporte à la table. En regardant ces succulents assortiments, nous pourrions être tentés de les tendre la main et de les presser. Pourtant, à la réflexion, il vaut peut-être mieux ne pas le faire, de peur que nous ne soyons disposés à traiter le genre de résidus contaminés qui ne s’enlèvent pas facilement.
Van Minnen a passé une grande partie de sa vie à observer de près des détails obscurs du monde naturel, voyant des corrélations et des expressions dans des endroits probablement considérés comme triviaux aux yeux de la plupart des yeux.
« J’ai toujours été un surréaliste, trouvant une joie inépuisable à griffonner et à observer les choses émerger, des formes naturelles et des physiologies suggestives qui portent un contenu émotionnel surnaturel qui transcende la vie elle-même », explique l’artiste californien. En effet, il semble prendre ses observations et leur insuffler une nouvelle dimension de la vie, une dimension à la fois familière et troublante, existant dans un tout autre domaine. L’intuition de mondes intermédiaires de ce type nécessite un certain niveau d’engagement psychique et d’interrelation avec ses environnements interne et externe. “Je pense que la nature, les marées et les Golden Field Guides sont fondamentaux. Mes parents ont gardé mon attention sur la nature à tout moment et m’ont également donné le langage et la confiance nécessaires pour écouter attentivement mon cœur et poursuivre ma connaissance intérieure”, ajoute-t-il.
Van Minnen est très précis dans la manière dont il évoque ses compositions : il s’agit d’un processus délibéré qui, paradoxalement, tente d’éviter la délibération. En mode peinture, il préfère une approche de flux de conscience, comme dans le véritable surréalisme, tout en utilisant des dispositifs techniques qui finissent par rendre une image agréable à l’œil. Cela semble être un équilibre délicat, qu’il explique en outre : “Ma définition du surréalisme est qu’il commence par un dessin ou une marque automatique. L’accent est mis sur l’action physique et l’opportunité plutôt que sur l’intellect et la planification. Maintenir la connexion avec le subconscient de cette manière est une pratique permanente, un peu comme la méditation. C’est une sorte de vision fondamentaliste du surréalisme, et je la pratique rarement parfaitement. C’est généralement une combinaison de ce processus automatique et de cette interaction consciente. “
Il a perspicace décomposé cela en “le jeu entre trois points : un, l’intuition ; deux, la contre-intuition crée un binaire ; et trois, la perpendiculaire crée un triangle, l’action du “champ gauche”, donnant trois options générales dans l’acte créatif. Mes peintures ressemblent à une combinaison de ces trois”.
En regardant son travail artisanal immaculé, on ne peut s’empêcher de se demander de quelle région du subconscient ses personnages (dont les traits semblent tachés et peut-être atteints de maladies) ont émergé. Ont-ils dérivé d’un mauvais rêve, ou ont-ils parcouru le domaine terrestre jusqu’à ce qu’ils soient frappés par une grave malchance ?
“La distorsion des visages suppose qu’un visage a été déformé, alors que ce que j’essaie de faire est d’établir un lien humain émotionnel avec un portrait qui n’existe pas, à partir de marques et de familiarité. Ces trois points entrent en jeu. L’intuition, dans le contexte du portrait, est synonyme de paréidolie, un comportement humain inhérent visant à trier les traits du visage dans des choses autres que les visages, comme les nuages, les rochers, le bois, etc. Par conséquent, la marque contre-intuitive est celle qui résiste à cette réponse intuitive et paréidolienne. Tout cela vient jusqu’au travail des broussailles. Le troisième point, la perpendiculaire, est plus difficile à cerner mais on le sait quand on le voit. [laughs].»
Alors maintenant que nous comprenons une partie de la méthodologie derrière ses images, nous sommes amenés à une autre question cruciale : qu’est-ce qu’il y a avec tous ces bonbons ? Encore une fois, son explication n’est pas du genre nonchalante et des bonbons qui éclatent dans la bouche, mais une explication très analytique. “Je peux expliquer clairement comment ce thème est entré en jeu. En 2013, je poursuivais mes expérimentations sur les fonds et les techniques de peinture indirecte, et plus particulièrement sur les avantages et les inconvénients de l’approche de la Renaissance du Nord et de celle des Italiens. À savoir le Titien, et son utilisation du fond en tons moyens comme point de départ, permettant à l’artiste de déplacer plus facilement la position de la figure en cours – essentiellement une technique qui laissait un peu plus de place pour changer les choses.”
Credit Post By: Zara Kand