En janvier dernier, lors du concert annuel de la National Association of Music Merchants (NAMM) à Anaheim, en Californie, le guitariste de Slayer Gary Holt a dévoilé une guitare ornée de dix-huit fioles de son propre sang. Il avait chargé l’artiste new-yorkais Vincent Castiglia, âgé de trente-quatre ans, de peindre la guitare, et conformément à l’exhibitionnisme badass et ludique de l’ensemble du projet, l’artiste a prélevé le sang qu’il a finalement utilisé pour l’œuvre d’art de Holt dans les coulisses après un concert à Long Island. La révélation au NAMM a attiré l’attention de la presse. Couvert par des publications allant des médias de musique métal et des enclaves d’horreur en ligne à la chaîne Noisey de VICE, c’était le genre de spectacle exceptionnellement bien adapté à l’attention des médias. Une cascade folle et macabre amusante avec une vanité centrale irrésistible : Metal God Has Guitar Painted in His Own Blood.
Bien entendu, l’artiste lui-même, Castiglia, a également été mis à l’honneur. Ce qui m’a frappé dans ce projet et son dénouement au NAMM, c’est à quel point la couverture médiatique vertigineuse négligeait, presque inévitablement, l’œuvre d’art elle-même. La peinture de sang de Castiglia sur la guitare de Holt est une méditation sombre et poignante sur cet ange déchu emblématique, Lucifer. Dans les mains de Castiglia, Satan est dépeint comme un personnage maussade, presque repentant, le poids de son ambivalence ajoutant à sa mystique biblique. Mais au milieu de la clameur assourdissante d’autres facteurs – Slayer, les guitares personnalisées, la pure folie du fandom metal – il était probablement difficile d’apprécier le talent artistique lui-même. La guitare personnalisée, que Castiglia dit que certains ont qualifiée de « chose la plus métal de tous les temps », est en quelque sorte emblématique de la carrière de Castiglia dans son ensemble : la tension entre la perception de l’exhibitionnisme et la réalité d’un artiste sérieux qui utilise son propre sang.
Castiglia a commencé à expérimenter la peinture avec du sang en 2000. Il avait dix-huit ans. En 2003, il l’utilisait exclusivement.
Même si une poignée d’artistes imitateurs utilisant également du sang ont fait leur apparition depuis que Castiglia a commencé à attirer sérieusement l’attention à la fin des années 2000, il est peu probable que quiconque puisse parler avec la même foi hardcore. Il dit que la motivation derrière cette technique est venue du désir de se connecter à son travail à un niveau plus intime.
Lorsqu’il a commencé à peindre avec son propre sang, « ce fut une période particulièrement intense », dit-il. “Je compare cela à une hémorragie. Lorsque la pression dépasse un certain point et que le vaisseau se rompt.” L’analogie peut paraître macabre, mais Castiglia précise que les ruptures ont toujours une « intention de communiquer ». En d’autres termes, le médium est peut-être né d’un lieu de douleur psychique, mais il ne se contente pas de se vautrer dans le désespoir ; l’acte lui-même est un geste de transformation. Et à l’entendre le dire, le plasma humain est bien plus qu’un simple accessoire gratuit de film d’horreur. « Tout ce que nous sommes est contenu dans le sang.
Que vous croyiez qu’il contient de l’énergie psychique, que vous croyiez qu’il en contient plus, cela m’intéresse.
Tout ce que nous sommes est contenu dans le sang. Que vous croyiez qu’il contient de l’énergie psychique, que vous croyiez qu’il en contient plus, cela m’intéresse.
Castiglia a commencé à montrer son travail lors d’expositions collectives au milieu des années 2000. À bien des égards, son style et ses motifs prédominants sont arrivés pleinement formés, comme s’ils couvaient en lui depuis des années. Il semblait qu’il n’avait pas tant besoin de grandir ou d’évoluer en tant qu’artiste qu’il devait simplement tout purger. L’une de ses premières peintures majeures, « Feeding », est une synthèse désarmante du sujet qui allait alimenter l’œuvre de Castiglia au cours de la décennie suivante.
Archétypes, infirmité, défiguration, cycle régénérateur de la vie et de la mort, tout est là. Ce « Feeding » suscite inévitablement une réponse compliquée de la part du spectateur, pleine de rebondissements et de réexamens, et touche à quelque chose d’essentiel pour débloquer l’œuvre de Castiglia. Morbide et pénible au début, la femme en fauteuil roulant, en état de détérioration, allaitant son nouveau-né, réapparaît finalement comme quelque chose de plus étroitement lié à la transcendance et à la persévérance. Les jeunes mères de jeunes enfants succombent chaque jour à la maladie et aux afflictions.
Le sujet de Castiglia n’est pas tant une monstruosité improbable qu’une figure archétypale : la mère qui, après avoir donné la vie, doit maintenant accepter l’imminence de la mort. Il décrit simplement, à sa manière métaphysique et anatomiquement graphique, cette vérité universelle inexorable. « Feeding » est une histoire sur la vie et la mort et sur la fréquence à laquelle elles coexistent, si étroitement liées que nous avons rarement l’occasion de célébrer la première sans pleurer la seconde. « Ses jambes sont désintégrées, mais elle a du mal à nourrir ses petits, malgré les maladies évidentes qui sont inhérentes à son existence », dit-il. Loin d’une fantasmagorie macabre venant d’un coin reculé d’un paysage onirique torturé, il s’agit d’un chapitre de l’histoire humaine primitive.
Credit Post By: Mike Mariani